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Akkordsymbole & was du darüber wissen solltest

C, Bm7, F#add9, F/G… Wenn du dich mit dem freien Klavierspiel beschäftigst, wirst du ständig über diese und andere Akkordbezeichnungen stoßen. Doch was sagen diese Symbole genau aus – und was nicht?

 

Da ich immer wieder bemerke, wie viel Unklarheiten bzw. Halbwissen dazu kursieren, möchte ich hiermit sämtliche gängigen Symbolschreibweisen auflisten. Und selbst wenn du dich als absoluten Akkord-Experten bezeichnen würdest, lese trotzdem weiter: Das ein oder andere Aha-Erlebnis kommt bestimmt…

 

  • C = C-Dur. Ein großgeschriebener Buchstabe steht für einen Dur-Akkord. Dieser besteht immer aus einer großen Terz (2 Ganztonschritte) und einer kleinen Terz (1,5 Ganztonschritte). Also c e g.

 

  • Cm = C-Moll. Ein großgeschriebener Buchstabe mit nachfolgendem kleinen „m“ steht für einen Moll-Akkord. Dieser besteht immer aus einer kleinen Terz (1,5 Ganztonschritte) und einer großen Terz (2 Ganztonschritte). Also c es g.

Praxistipp: Gewöhne dir an, bei Mollakkorden auch immer das „Moll“ dazuzusagen. Ich höre regelmäßig, wie die Akkordfolge von Songs nur mit den Grundtönen beschrieben wird: „Die Akkorde zu dem Song sind C, D, F, G.“ Dabei ist allerdings nicht klar, dass es sich bei dem D um einen D-Moll handeln soll – eine sehr wichtige Information, die die Stimmung eines Songs stark verändern kann!

 

  • c = einzelner Ton c. Mit kleinen Buchstaben bezeichne ich in meinen Texteinblendungen Einzeltöne. Das ist allerdings keine „amtliche“ Schreibweise.

 

  • Die früher öfters gesehene kleine Schreibweise (also „c“ für C-Moll) ist nicht mehr gebräuchlich.

 

  • Bm = Hm: Im Zuge der internationalen Standardisierung hat es sich eingebürgert, die deutsche Schreibweise H durch das englische B sowie das deutsche B durch Bb (also mit b-Vorzeichen) zu ersetzen.
    Überhaupt macht diese Notation viel mehr Sinn, da eine Tonleiter ja dem Alphabet entspricht: a b c d e f g. Wie sich da die deutsche Schreibweise a h c d… entwickeln konnte, ist mir nach wie vor ein Rätsel… ;)

Ich spreche zwar öfters vom „H“-Akkord, notiere ihn aber meist als B. „H“ nutze ich nur bei einigen Anfängervideos, um für keine weitere Verwirrung zu sorgen.

 

  • C7 = C-Dur + 7. Ton der Tonleiter. Eine Zahl nach einem Akkord drückt immer aus, dass ein zusätzlicher Ton zum Akkord dazukommt. Diese Zahl ist dabei der Abstand zum Grundton des Akkords. Dabei gibt es zwei Besonderheiten zu beachten:
    • Der Grundton (hier c) wird bereits mitgezählt, da es sich um die Stufen der Tonleiter handelt und die beginnen nicht mit 0! Also c ist bereits 1.
    • Man zählt die Tonleiter und NICHT alle dazwischen liegenden chromatischen Töne. Also NICHT c, cis, d, dis etc., sondern c d e f g a b (<- der 7. Ton).

Dazu gibt es folgende Ausnahmen:

  • C7 / Cmaj7: Bei der 7. Stufe unterscheidet man zwischen kleiner und großer Septime. Die Kleine ist die um einen Halbton kleinere Septime, also b:

  • C7 = C-Dur + kleine Septime: c e g b

Die Große (maj = major, groß) stellt dabei den üblichen Tonleiterton dar (also h in der C-Dur Tonleiter):

  • Cmaj7 = C-Dur + große Septime: c e g h

 

Das funktioniert selbstverständlich auch bei Mollakkorden:

 

 

 

  • Cm7 = C-Moll + kleine Septime: c es g b

 

  • Cmmaj7 = C-Moll + große Septime: c es g h

Der Letzte kommt eher selten vor. Ich nenne ihn immer den „James-Bond-Akkord“. Höre dir dazu mal den Schluss der Titelmusik an.

 

  • Cadd9 = C-Dur + 9. (bzw. 2.) Ton: c d e g.

Da ausschließlich der 9. Ton und NICHT zusätzlich der 7. Ton (siehe weiter unten erklärt) mitgespielt werden soll, wird darauf durch „add“ = additional hingewiesen.

 

  • Csus4 = C-Dur + 4. Ton, allerdings ANSTELLE des 3. Tons: c f g

„sus“ bedeutet suspended / suspendiert. Wegen der starken Reibung zwischen e & f (nur ein Halbton auseinander) wird der 3. Ton e weggelassen.

 

Wenn du bewusst diesen „Reibesound“ mit allen 4 Tönen willst, kannst du ihn als Cadd11 ausdrücken, also c e g + der 11. (bzw. 4.) Ton f. Hier siehst du eine schöne Umkehrung davon.

 

Wenn der Basston anders sein soll:

  • F/G = F-Dur mit Basston g in der linken Hand. Diese Akkorde bezeichnet man als „Slash-Akkorde“. Das alte Spiel mit den Anglizismen: Slash = Schrägstrich. Und „Schrägstrich-Akkord“ würde ja irgendwie längst nicht so cool klingen ;)

 

Wer sich schon mehr von den „Standardakkorden“ weggewagt hat, wird zum Beispiel auf folgende Bezeichnungen stoßen:

  • Wenn ein Zusatzton gespielt werden soll, der einen Halbton tiefer oder höher als der normale Tonleiterton liegt, wird dieser mit b bzw. # erniedrigt bzw. erhöht.

      • Cmb5 = C-Moll + 5. Ton, dieser allerdings um einen Halbton erniedrigt: g → ges, also c es ges. Dieser Akkord wird auch verminderter Akkord genannt und auch so notiert:

      • C#5 = C-Dur + 5. Ton, dieser allerdings um einen Halbton erhöht. g → gis, also c e gis. Diesen nennt man auch übermäßig. Klingt irgendwie aufgeplustert.

 

  • C7/9 = C-Dur + 7. + 9. Ton. Bei mehreren Zusatztönen werden diese einfach durch / an den Akkordbuchstaben angehängt. Heißt hier also: c e g b d

 

  • Zur übersichtlicheren Schreibweise werden allerdings die zuvor kommenden Zusatztöne automatisch mitgespielt. Dabei geht man in Terzschichtung (wie bei einem normalen Dreiklangsakkord) vor:
    • 1  3  5  7  9  11  13
    • c  e  g  h  d  f  a
    • C9 = C7/9 – daher schreibt man Cadd9, wenn NUR der 9. Ton dazu kommen soll
    • C11 = C7/9/11
    • C13 = C7/9/13 – Ausnahme hier: die 11. Stufe wird weggelassen!

 

Was die Akkordsymbolschrift NICHT wiedergibt:

  • Umkehrung: aus einem C wird nicht klar, ob er in der Grundstellung oder in der 1. bzw. 2. Umkehrung gespielt werden soll.
    Wenn man dies ausdrücken will, dann z.B. durch Notation des obersten Tons des Akkordes in regulärer Notenschrift. Das mache ich beispielsweise in meinen „Melodie & Akkorde“-Videos.
    Ansonsten ist es dir selbst überlassen, in welcher Umkehrung du den Akkord greifst – oft ergibt diese sich aus dem Kontext des vorherigen Akkordes.

 

  • Bm7: Grundton rechts weglassen – ja oder nein? Auch das wird durch die Akkordbezeichnung nicht näher festgelegt. Wie in verschiedensten Videos gezeigt, lasse ich persönlich oft den Grundton weg, da ich diesen ja schon in der linken Hand spiele. Aber auch das ist wieder reine Geschmacksfrage und dir selbst überlassen.

 

  • Das Gleiche gilt auch für andere Akkorde wie beispielweise den Cadd9: Du kannst neben allen 4 Tönen auch das c oder das e weglassen. Einfach ausprobieren, genau hinhören und kreativ werden.

 

Diese Aufzählung ist natürlich nicht abschließend zu sehen, aber das sind mal die wichtigsten und für dich praxisrelevantesten Akkordbezeichnungen.

Hast du Fragen dazu? Dann lass doch deinen Kommentar da, den ich gerne beantworte. So haben dann alle etwas

Hast du dich schon mal aufgenommen?

Und, hast du dich wirklich schon mal selbst aufgenommen? Nein, ich meine nicht am Flügel in einem riesigen Tonstudio, sondern ganz unkompliziert daheim mit deinem Handy?

 

Wenn nicht, solltest du das unbedingt mal machen! Warum?

 

Weil das eine Momentaufnahme deines Spiels wiedergibt – und damit die perfekte Chance zur Selbstkontrolle und -beurteilung! Viel besser, als wenn du dir immer nur live beim gleichzeitigen Spielen zuhörst.

 

Wenn du dich nämlich aufnimmst und dir damit die Möglichkeit schaffst, dein Klavierspiel danach nochmal in Ruhe zu analysieren, wirst du gewisse Dinge viel detaillierter wahrnehmen. Im Nachhinein kannst du dich nämlich ausschließlich aufs Zuhören konzentrieren und bist nicht parallel mit Spielen beschäftigt. Deine Ohren und dein Gehirn sind also nicht durch die gleichzeitig spielenden Finger abgelenkt, sondern können ihren ganzen Fokus aufs Zuhören legen.

 

Mir ging es schon häufig so, dass ich beim Spielen mit geballtem Selbstbewusstsein dachte: „Das ist grad ziemlich cool.“ und bei der darauffolgenden Kontrolle bemerkte ich so einiges, was mir noch nicht so wirklich gefiel…

 

Somit liefert dir die Aufnahme eine viel bessere Selbsteinschätzung, da du dich jetzt so hörst, wie dich jeder Zuhörer hört. Also quasi wie dein Gesicht im Vergrößerungsschminkspiegel – du siehst schonungslos jede Falte und jede Hautunreinheit.

 

Früher war das praktisch nur mit Kassette möglich, was ich als Kind auch ganz gern gemacht habe. Heutzutage im 21. Jahrhundert findest du aber dank Digitaltechnik in jedem Handy irgendeine Art von Diktiergerät- / Sprachmemo-App, bei der du mit wenigen Klicks dein Spiel aufzeichnen, anhören und speichern kannst.

 

Dazu 3 konkrete Ideen:

1. Übefortschritte dokumentieren

Nimm dich immer wieder mit dem gleichen Song auf und du bekommst wunderbar einen Überblick über deine Fortschritte. Wie die Vorher- / Nachherbilder bei Abnehmprogrammen sozusagen – der ultimative Motivationskick.

 

2. Timing checken

Mach dir zusätzlich zur Aufnahme-App noch ein Metronom am Handy an und nimm beides zusammen auf. Danach kannst du viel besser beurteilen, wie gut dein Timing ist, an welchen Stellen du hängst oder ob du z.B. tendenziell „davonrennst“.

 

3. Fokussiert spielen

Durch die eigene geschaffene „Aufnahmesituation“ spielst du konzentrierter und probierst, dein Bestes zu geben. Dein Handy katapultiert dich sozusagen auf eine imaginäre Bühne. Eine gute und weiterbringende Übung!

 

 

Langer Rede, kurzer Sinn: Nimm dich auf! Das kann zwar durchaus mal ernüchternd sein, aber ich verspreche dir, dass es dich auf deinem Weg zum besseren Klavierspiel definitiv weiterbringen wird! Und du kannst dann stolz sein auf einen Mitschnitt, der dir gefällt!

 

Was sind deine Erfahrungen damit? Teile sie gern unten als Kommentar.

Wie du neue Tricks am besten üben und anwenden kannst

Vielleicht kommt dir folgende Situation bekannt vor: Du hast dir irgendeinen neuen Trick am Klavier angeeignet, beispielsweise den add9-Popakkord (siehe Video), und bist so Feuer und Flamme, dass du ihn direkt in dein freies Spiel integrieren willst.

 

Was machen nun die meisten von uns? Präsent ist im Leben immer die konkrete Situation, in der wir den Trick gelernt haben. Wenn ein Kochanfänger unbedingt mit lockerer Handbewegung den Pfannkuchen in der Luft werfen will, wird er das unter fachkundiger Anleitung und nach diversen missratenen Fehlversuchen irgendwann beherrschen – dennoch ist die Wahrscheinlichkeit hoch, dass er diesen Trick in Zukunft ausschließlich bei den Pfannkuchen anwenden wird und überhaupt nicht auf die Idee kommt, mit Omelett oder Spiegelei das Gleiche zu versuchen.

 

Genauso sieht’s bei den Klaviertasten aus: In unserem Beispiel hast du dir gerade den add9-Akkord angeeignet, der im Video anhand von C-Dur erklärt wird. Du spielst den Song nun immer wieder, so langsam hast du den neu gelernten Akkord drauf und deine Finger greifen ihn automatisch jedes Mal, wenn C-Dur kommt – aber eben nur bei C-Dur und nur in diesem Beispielsong. Du kommst zunächst überhaupt nicht auf die Idee, den Trick direkt in andere Tonarten, Songs oder generell „Situationen“ zu übertragen. Damit hast du deinen Song zwar schon ein bisschen interessanter gemacht, keine Frage, aber da geht noch viel mehr!

 

Hier 4 Tipps für dich, wie du einen neu gelernten Trick deutlich umfassender nutzen kannst, statt dich unnötigerweise selbst einzuschränken:

 

1. In verschiedenen Tonarten üben

 

Übe den Trick doch gleich in mehreren Tonarten. In unserem Beispiel bedeutet das, dass du den add9-Akkord über sämtliche Akkorde anwendest und nicht nur über C-Dur. Vielleicht denkst du jetzt, man solle ja ein Prinzip nicht übertreiben und ausschließlich anwenden. Das ist mit Sicherheit richtig, aber grundsätzlich gilt: Um etwas gezielt und geschmackvoll zu nutzen, darfst du ruhig erstmal übertreiben, um es richtig kennenzulernen. Beispielsweise müssen Nachrichtensprecher oder Schauspieler in professionellen Sprechtrainings zunächst mit riesigen Mundbewegungen völlig übertriebene Laute bilden, damit sie im Endeffekt eine klare und deutliche Aussprache haben. Und so ist es auch in der Musik: Wenn du später den add9-Akkord in sämtlichen Tonarten und Umkehrungen beherrschst, kannst du selbstverständlich wieder eine Stufe zurückschrauben und ihn nur bewusst und gezielt an ausgewählten Stellen anwenden.

 

2. Auswendig spielen

 

Solange du Noten (oder in unserem Fall ein Leadsheet) vor dir hast, wirst du häufig daran kleben und im „Scan-Modus“ spielen. Also deine Augen lesen Akkord xy und geben daraufhin den Befehl an die Finger, diesen zu spielen. Dabei musst du vielleicht auch gar nicht viel nachdenken, sondern spielst einfach das, was die Augen gerade gescannt haben.

Viel effektiver ist es aber, den Song möglichst schnell auswendig zu spielen. Der Vorteil dabei ist, dass du dich damit ganz automatisch mehr auf die Reihenfolge der Akkorde konzentrierst, weil der besagte „Scan-Modus“ wegfällt. Und somit übst du deinen neugelernten Akkord bewusster an sämtlichen Stellen.

Tipps zum Auswendig spielen findest du übrigens in folgendem Blogbeitrag.

 

3. Akkordzusammenhänge verstehen

 

Wenn du jetzt schon auswendig spielst und dir die Akkordreihenfolge merkst, kannst du als nächstes beginnen, dich mit den Zusammenhängen der einzelnen Akkorde zu befassen. Denn beim Auswendiglernen ist es ja immer von großem Nutzen, den Sinn dahinter zu verstehen. So kannst du dir logischerweise einen Text in deiner Muttersprache, den du auch verstehst, viel schneller merken als beispielsweise ein chinesisches Gedicht.

Und wenn die Akkorde und deren Zusammenhänge für dich einen Sinn ergeben, tauchst du automatisch in eine tiefere Ebene ein. Du spielst dann nicht mehr nur irgendetwas nach, weil es eben so in deinen Noten steht, sondern weißt, warum die Akkorde so vorkommen, wie sie eben vorkommen.

Wenn dich die Theorie dahinter mehr interessiert, schaue dir doch mal folgendes Video an.

 

4. Out of your comfort zone – weg vom Song!

 

Jetzt kannst du weg vom eigentlichen Song gehen: Versuche doch zum Beispiel mal, nur die ersten vier Takte des Verses zu spielen, und probiere dabei aus, wie du den neuen Trick (also in unserem konkreten Beispiel den add9-Akkord) überall anwenden kannst!

Ein weiterer Tipp ist es, mal in einer anderen Umkehrung zu beginnen. Dann liegt der 9. Ton des add9-Akkords woanders und du musst deine Komfortzone verlassen, den Akkord immer gleich zu spielen.

Jetzt geht’s schon gar nicht mehr um den ursprünglichen Song, sondern du erforscht einen kleinen Trick immer weiter, entdeckst dabei mehr und er wird mit häufigem Wiederholen zu deinem musikalischen Wortschatz werden.

 

 

Diese Tricks wende ich ständig für mich an: Also anhand eines konkreten Beispiels etwas Neues ausprobieren, dabei schnell auswendig spielen, die Zusammenhänge davon erfassen und das Ganze in verschiedene Richtungen pushen, die ich dann konkret übe. Im Endeffekt steht nicht mehr der konkrete Song im Vordergrund, sondern viel eher der konkrete Trick – deutlich effektiver, stimmst du mir zu? Ich begebe mich quasi auf musikalische Entdeckungsreise, die immer weiter geht und spannend bleibt. Und auf diese Weise wirst du immer besser!

 

Wie übst du am besten neue Tricks? Was hat sich bei dir bewährt? Ich freue mich über deine Kommentare.

5 Tricks fürs Bandplaying

Keine Ahnung, ob du regelmäßig in Bands mit anderen zusammen spielst, oder ob du eher der „Ich-spiele-nur-für-mich-in-den-eigenen-vier-Wänden“-Typ bist. Auf jeden Fall würde ich es dir sehr empfehlen mit Anderen zusammen zu spielen: Zum einen kannst du viel dabei lernen und zum anderen macht gemeinsam Musik zu machen noch viel mehr Spaß als alleine!

Jedenfalls habe ich heute mal meine Top 5 – Tricks fürs Zusammenspiel für dich. Die Idee dazu kam uns, als mich kürzlich abends mein Bruder und Co-Founder Joerka (den ihr sicher schon von der ein oder anderen Supportmail kennt) konkret gefragt hat, was er im Bandkontext beachten müsse – für die musikalische Untermalung der Trauung eines guten Freundes. So here we go:

  1. Spiele im passenden Frequenzbereich: Es gibt ja tiefe, mittlere und hohe Töne, in denen Musik stattfindet. Am Piano haben wir darüber allein schon mal visuell einen super Überblick. Konkret heißt das für dich: Keine Oktaven bzw. tiefen Noten in der linken Hand! Die spielt ja bereits der Bass.
  2. Die Gitarre ist das Instrument, das dir am leichtesten in die Quere kommt, da ihr beide Akkorde, Rhythmen und evtl. noch Basstöne spielt. Und das auch noch im gleichen Frequenzbereich. Drum versuche, etwas ergänzendes zur Gitarre zu spielen, z.B.: Sie spielt tief – dann du eher hohe Noten. Sie spielt viel – du wenig. Sie spielt am Anfang des Taktes ein paar Achtelnoten und bleibt dann liegen – du füllst den Rest des Taktes auf.
  3. Oft geben Drums & Bass den Rhythmus vor. Höre genau hin und spiele passend dazu. Wenn z.B. ein Akkord als Synkope (also vorgezogen) von den beiden gespielt wird – spiele ihn auch vorgezogen.
  4. Aufeinander hören: Ihr seid ein Team – keine Einzelkämpfer! Weniger ist oft mehr. Wenn z.B. die Gitarre einen dichten durchgehenden Rhythmus spielt, „matscht“ es nur, wenn du das auch machst. Dann lieber nur Akkorde legen ohne großen Rhythmus.
  5. Hab Spaß! Wenn du mit guter Laune und entspannt an die Sache rangehst, wirst du besser spielen und bist garantiert kreativer!

Es gäbe noch zig weitere Tipps und außerdem bestätigen Ausnahmen die Regel. Also gilt wie immer: Viel ausprobieren!

The Power of Repetition

…oder warum 6 x 10min > 60min sind!

Bestimmt kennst du das Problem: Du willst besser am Klavier werden und nicht immer nur das Gleiche spielen, aber dein Tag ist mit 24h einfach zu kurz? Dann packt dich ab und zu der Ehrgeiz und du verbringst mal wieder eine Stunde (oder länger?) am Piano, hast Spaß, entdeckst etwas Neues und nimmst dir dieses Mal wirklich vor, dass bis zur nächsten Übe-Session nicht wieder zu viel Zeit verstreicht? Und wenn dann ein paar Wochen ins Land gegangen sind, ist es leider schon wieder dahin mit dem gefühlten Fortschritt vom letzten Mal…

Dieses Phänomen kennt wohl jeder von uns in unterschiedlichsten Lebensbereichen. Leider kann ich deinen Tag nicht verlängern, aber ich habe heute einen Trick für dich, wie du diesem Problem Herr werden kannst:

Unser Hauptproblem beim Poppiano spielen ist ja wie gesagt, dass wir alle immer gern das Gleiche spielen – nämlich das, was wir sowieso schon können! Sich etwas Neues anzueignen scheint zu mühevoll, langwierig und kompliziert. Und traurig, aber wahr: Du wirst es tatsächlich nicht schaffen, wenn du nur 1x pro Woche oder seltener am Klavier sitzt. Weil selbst wenn du dabei etwas cooles Neues entdeckst und übst, ist es nach einiger Zeit auch schon vergessen und du steckst wieder in deiner alten Routine fest. Oder du brauchst die nächste Stunde nur dafür, um das Alte zu wiederholen – und das ist genau die Zeit, in der sich die Hauptmotivation schon wieder langsam verabschiedet.

Wie dem auch sei – hier kommt eine interessante Gleichung ins Spiel: 6 x 10min > 60min

Mathematisch eindeutig eine Falschaussage, aber am Klavier macht sie Sinn! Ich erkläre sie dir:

Wenn du es schaffst, jeden Tag 10min Klavier zu spielen, hast du zwar nach einer Woche auch „nur“ eine Stunde geübt – einen Tag darfst du Pause machen ;) – wirst aber deutlich weiter kommen! Warum? Weil der Clou in der täglichen Wiederholung steckt! Fakt ist: Um etwas Neues zu lernen, braucht der Mensch regelmäßige Wiederholung. Du hast Laufen bestimmt nicht an einem Tag gelernt, geschweige denn Reden, Lesen, Schreiben etc.! Aber durch viele kurze Wiederholungen und dem hartnäckigen Willen, es durchzuziehen, können wir alle mittlerweile reden, lesen und schreiben.

Wie wäre es also mit folgendem Experiment: Du nimmst dir EIN Video vor und suchst dir davon irgendeine Sache heraus, die du bisher noch nicht konntest. Die übst du dann mal 2 Wochen lang jeden Tag 10min und berichtest mir dann, wie weit du gekommen bist! Der neue Akkord, Groove, das neue Lick etc. soll ja letztlich wie Grundwissen für dich werden, das du in verschiedensten Situationen ohne Nachdenken anwenden kannst. Nur dann bist du wirklich weiter gekommen und hast deine Komfortzone durchbrochen – nämlich die Angewohnheit, immer in gleichen Mustern festzustecken.

Jetzt sagst du, du hast keine 10min Zeit pro Tag? Sei es Stress auf der Arbeit, Klausurenzeit oder einer dieser Tage, die gefühlt nicht so lang sind wie die To-Do-Liste… Dann habe ich noch einen Trick für dich: Wie wäre es, diese 10min auf 3x 3-4min aufzuteilen? Also gerade mal so lange wie Zähneputzen! Das machen wir ja auch (hoffentlich!), ohne uns über den Zeitaufwand Gedanken zu machen.

Du könntest z.B. morgens zwischen Duschen und Frühstück kurz am Piano vorbei gehen und die vorgenommene neue Sache ein paar Mal spielen. Das Gleiche machst du dann abends nach dem Abendessen und vor dem ins Bett gehen noch einmal. Und schon hast du dein tägliches zehnminütiges Tagespensum erreicht! Durch die ständige kurze Wiederholung wird es dir bald in Fleisch und Blut übergehen und du wirst sehen: In ein paar Wochen bist du tatsächlich weiter gekommen. Und das bei insgesamt gleichem zeitlichen Aufwand wie einmal pro Woche eine Stunde zu üben!

Ich persönlich habe oft die Erfahrung gemacht, dass ich mit kurzem aber fokussiertem zeitlichen Commitment deutlich weiter komme, als mich ständig wieder neu in eine Sache einzuarbeiten. Und vielleicht werden aus den 10min am Tag auch 20 oder mehr?! Ich würde sagen, da gäbe es schlimmeres ;)

In diesem Sinne: Probier`s aus! Ich freue mich, von deinen Erfahrungen zu hören! Und das meine ich tatsächlich ernst. Kommentare bzw. Email-Antworten sind ausdrücklich erwünscht ;)

Dein Manu